3 月 6 日（三）由 FourdesireU 主辦的「配樂與音效在作品製作上，該扮演什麼樣的角色？」講座，邀請到製作獨立遊戲《返校》配樂與原聲帶的作曲家張衞帆，以及 App《Walkr》、《記帳城市》配樂音效製作人李百罡兩位講者來分享。上半場由作曲家張衞帆以創作主題曲為案例（延伸閱讀：音樂回歸核心，張衞帆：「我寫的是戰鬥音樂，還是主角的孤獨？」），說明如何透過音樂為作品帶來更高的層次和給予玩家不同的感受。
下半場則由現任於台灣索尼音樂娛樂 A&R 經理，同時也是 App《Walkr》、《記帳城市》配樂音效製作人李百罡分享，他在製作音樂前期，會進行哪些規劃及如何與業主溝通，幫助他在製作音樂時更加順利，同時定調配樂在作品上的價值。
在接到一個配樂案子時，配樂師先了解業主的需求，並提出自己的想法，雙方達成共識後，便展開進行製作——這是個理想中的狀況。
然而，更常發生的狀況是，配樂師交出作品後，被案主駁回或提出修改需求，但因大多業主不了解音樂製作方式，無法具體地說出修改內容和方式，雙方無可厚非地變成很模糊的溝通方式：「我們長官不太喜歡這個音樂的感覺，能再給一個版本嗎？」「同事們看完覺得跟影片感覺不搭，還能嘗試別的感覺嗎？」，兩方都只能用「感覺」來說明。
李百罡表示，這是實際上大家常遇到的狀況，但若藉由前期良好的溝通，可以減少掉這些問題。開始製作作品前，首先要先釐清兩個需求，一個是「業主的需求」，另一個則是「產品的需求」。
（攝影師：陳立緯）
業主的需求即是主觀的需求，也就是「服務的對象需要的是什麼？」，李百罡認為，這是大多數人常常「只做到一半」的部分。每個人對於事情的定義都不一樣，就好比，對於業主來說「悲傷的音樂」和配樂師所認為的「悲傷的音樂」會是「一樣的嗎？」。這時候，配樂師便需要釐清雙方所認定的「悲傷」是什麼，例如透過事先找尋相關影片素材、音樂範本等，反覆地來瞭解並確認彼此間的的概念是否相同，是否在同樣的定位上談論作品的意象，才能再進行下一步製作。
再者，產品的需求則包含了媒材、受眾、使用者操作方式、使用情境及製作預算等客觀的需求。配樂師需要自己先了解，配樂是使用在哪個媒材上？是誰要聽？誰會參與到這音樂當中？使用者會是在怎樣的情境下接觸到這個音樂？他們聽到音樂當下的感受會是什麼？音樂會扮演什麼樣的角色，會是以音樂為核心嗎？
作品是以音樂為核心，還是以媒材為核心呢？或者是核心在媒材動態之間轉換？一一釐清客觀的需求後，這些資訊都可以幫助配樂師更清晰地去發想製作音樂內容，同時避免掉許多與業主之間反覆來回溝通和修改的問題。
先解決了事前準備的問題，雙方有了共同的語言後，接下來便是製作的問題。許多新手在一開始會面臨到不知如何下手創作的困擾，李百罡認為一方面是需要時間累積經驗，一方面可能是對音樂各種類型掌握度還不夠，
因此，他特別分享了自己分析音樂的方法，並用於幫助創作音樂，「大量的分析各種音樂，就會知道別人是怎樣創作音樂；把一個音樂歌曲分析後，就知道怎麼反過來設計、組合，也就會變成自己的知識基礎」，李百罡說。
SAGE－The A&R Tool（李百罡, 2019）
他稱其分析方式為「SAGE－The A&R Tool（李百罡, 2019）」，Sign 為符號，意指聽到這音樂會想到哪些事情和意象、Activity 是與這音樂相關的行為，Genre 則是指音樂類型元素，最後的 Era，代表製作年代，即是該年代的音樂製作方式。
這邊李百罡特別強調，製作年代是很多人分析歌曲時忽略的事情，音樂製作年代的不同，代表音樂製作方式、音質的改變，就好比視訊隨著年代有不同格式一樣，藉由不同年代製作的手法，可以去呈現不一樣的音樂內容，舉例來說，如果用 60 年代的音質創作現代音樂呢？這是目前為止音樂製作上很容易被忽略可以多元應用的部分。
李百罡以 App《Ｗalkr》主題曲為例，解釋使用 SAGE 如何用來分析音樂，在《Ｗalkr》的主題曲當中，音樂內容可以聯想到是在可愛的宇宙中漫遊，以及跟運動和生活有關的形象和符號（Sign）；操作方式（Activity）則是輕鬆的手機遊戲；主題曲中使用到的音樂元素（Genre）則有英倫搖滾（British Pop）、科幻音樂（Sci-Fi Sound）、合成音樂如 Layered SynthPad 及兒歌。最後製作年代為後英式搖滾（Post Britpop），是使用小型裝置播放（Small Device）。
《Ｗalkr》形象影片、主題曲
這樣拆解分析下來，可以看出《Ｗalkr》的主題曲是充滿在太空飄浮的感受，經過許多合成器的堆疊，且音樂是在手機上播放，使用者不是單純開手機聽音效，就是戴耳機聽到配樂，所以是要在手機上都可以表現出來的音樂效果。這樣便可以理解《Ｗalkr》主題曲的製作方式，同理可以應用在各式音樂上，李百罡又以另一款遊戲作品《Lightning Fighter》的 OST〈Defense Taipei〉為例。
《Lightning Fighter》 OST〈 Defense Taipei〉
在符號部分，可以聯想到是「台北」、「大型機台經典遊戲」、「熱血」等關鍵字，使用者的操作行為則是「充滿緊張感的手機射擊遊戲」，音樂元素則包含日式搖滾（J.ROCK）、合成器應用（Synth Arp）、強烈的吉他音樂（Guitar Hero）以及動漫 ACG 等。最後，製作的手法則採用現代獨立音樂（Modern Indie）、搖滾（Rock）和台北的聲音素材組成。
懂得拆解音樂，就也會懂得如何組合音樂，進行大量的分析研究後，就會了解到每個音樂作品的變化，李百罡最後以流行音樂玖壹壹為範例，以〈美幹玲〉和〈恐怖情人〉兩首作品比較：
分析後，可以明顯看出，雖然看似相似的音樂主題，但玖壹壹在兩款作品上做了很大的轉變和變化。
玖壹壹(Nine one one) - 美幹拎 Lightweight Drinker 官方MV
玖壹壹(Nine one one) - 恐怖情人Horrifying Lover 官方MV
試著學會分析作品、音樂類型，不但可以更加了解音樂的製作方式，更是增強自己對音樂的見識，李百罡表示，雖然很多人認為音樂是靠經驗，但另一方面，理論和技術可以彌補靈感的空缺，有更多的基礎知識，便可以知道什麼樣的素材可以跟什麼東西媒合，創造出更多的可能性。
而回歸演講一開始提到接案部分，李百罡則認為，如果還沒有能力說服他人，「滿足他人也是一種能力」，他說。
先試著培養製作人的觀點，意指能串連音樂中的每一個環節，包括像是業主、受眾，如何將音樂呈現到觀眾面前，這些都是製作人的工作。另外，學會理解使用者及不斷進修音樂理論，儘管有些人認為理論跟不上時代，但是基礎理論卻是可以幫助大家沒有靈感時，找到出路的方法。此外，隨著時代，了解現在流行什麼、產業人士使用哪些工具，都是可以幫助自己更加開闊視野，而進行大量的風格探索，不斷地累積能力更為重要。
最後他引用知名作曲家蔡盛通的話：「熱愛的工作是可以做一輩子的，甚至不用想到退休。」，表達出自己對音樂的熱愛及音樂人持續進修的重要性。
（攝影師：陳立緯）
